巴黎男装周上，数字时装展示带来了哪些启示？
著名时装评论家Angelo Flaccavento表示：参加巴黎男装周展示的品牌大多坚持了它们的审美原则，展示了一众务实且令人安心的服装系列，让人感觉就像看到一位老朋友一般，其中，也有一些有趣的形式转折。
意大利米兰——时尚业已经恢复正常了吗？差不多了。
至少，这是我在本周结束的巴黎男装周上所得到的印象。我是以一种完全积极的方式叙述这一点的：面对疫情，大家在创造力上的投入鼓舞人心。实际上，每个人都备齐了一个准备展示的系列，这本身就是一个重大的成就。说实话，在封锁来临的时候，许多男装设计工作室已经开始酝酿其最初的想法了。但是，要把这些想法变成衣服可不是一件小事。正如人们所说：需要是发明之母。
然而，这些都不是普通的系列。设计师是人，不是没有感情的机器。焦虑、不安全感、恐惧… … 这些感觉在过去困难的几个月里影响着每一个人。事实上，他们现在还是这样。出于这个原因，以及实际的商业考虑，大多数品牌重申了其核心的审美语言。这不是一个破裂或一个前所未有的转折之季。没有并没有疯狂爆发的设计来弥补外界环境的严酷。设计师们坚持他们的理念和模式，重新推出此前成功风格的新版本，同时在这里或那里加入了新的元素。
这招奏效了。如果说当前的危机教会了我们什么的话，那就是，为了新而创新只是一个公关噱头; 渴望无谓的改变是一个有毒的营销伎俩。好的想法经得起时间的考验，是可持续发展的最强大的源泉，尽管很多品牌在环保责任方面一面大肆鼓噪，一面又同时推出更多新、新、新产品。
最棒的系列看起来都相当熟悉，又加入了一丝变奏，因此，产生一种舒缓的效果。造型是一样的，但又有所不同。事实上，这个季节有一种似曾相识的迷人感觉，从Yohji Yamamoto深邃的深紫色装饰风格的解构，到Hermès五星级奢华的疏离; 从 Y-Project 复杂的多元化精致，到Rick Owens将宽肩套装、紧身针织衫、硬线条和Grunge袍子混合在一起; 从Lanvin锐利而深情的浪漫主义，到 Mihara Yasuhiro美丽的混乱; 从 GmbH 对运动性和优雅的多元文化碰撞，到Botter的精准。在 Kolor，阿部润一甚至复制了他2011年系列时的情绪，对其进行了调整，以适应当下的情况。在许多虚拟的T台上，就像看到一名老朋友，你发现这个朋友没有改变，仍然是一名好朋友。
就时尚而言，没有什么新鲜的东西值得注意。Kiko Kostadinov是个例外，也证实了这一规则: 这个系列比以往更加疯狂，在服装设计上更加迷人。但在其他地方，随心所欲、不随波逐流的男装被证明是流动的、都市的、不做作的、略带剪裁感的，就像最近几季一样，很适合在街头穿着。
但这是一此虚拟的时装周，在网站上，通过视频进行展示。因此，这也是一个有趣的实验，时尚和影像，作为创造性的媒介，可以结合或可能冲突，来放大时装的内容，将其转移和扩大，有时几乎一种情色般的视角来注视着服装的主题，有时又几乎将服装完全抹去，以情绪或故事进行讲述。这种形式在某种程度上是民主的：所有的设计师，无论大小，都必须来玩这场影像游戏，有时候，小制作比大手笔更好。
自从2000年Nick Knight推出 SHOWstudio 以来，我们见证了时尚电影的崛起，社交媒体帮助推动了时尚电影的发展。但是与时尚摄影不同的是，时尚电影还远没有找到一本规则手册或者一种明确的形式，这也使得在这个领域的探索变得非常令人兴奋。从一组商业幻灯片到一个纯粹搞氛围的插图，一切都可以，加在一起则更好。然而，评估类似Yohji Yamamoto的动画影像，以及考虑类似Rick Owens 的镜头是完全不同的。同样，我们也可以欣赏Dries Van Noten虚构的鼓手演奏的一段斑驳的迷幻乐章。在这里，媒介确实很重要。然而，作为一名评论家，我发现，有时候，很难让我的评判标准来适应我所看到的东西。
我应该评估视频还是服装？这两种对象通常会一起呈现，有时候，这些视频会突出时装。一场动画化的时装表演让 KidSuper 的愿景以最敏锐的方式闪耀。其他时候，它们则独自展示。GmbH作出了一份不一样的声明，它们展示了艺术家Lars Laumann的视频: 《向北迁移的季节》（Season of Migration to the North）。
在Louis Vuitton“瓶中信”（Message in a Bottle）的华丽演出中，没有任何明显可见的时尚内容，而这些超级吸引眼球、有趣的动画实际上是Virgil Abloh迄今为止为这家法国奢侈品巨头所做的最大努力之一: 一个真实地体现了年轻、包容性的再创造，以及其设定情绪的技巧，而不是设计开创性的作品。这一切都非常时髦，非常迷人，其余的系列将辗转在世界各地进行展示。从Aldo Maria Camillo到Davi Paris ，设计师有大有小，也在同一个波段展示了类似的、引人注目的创作。
真正不成功的是那些没有观众的走秀视频: 太冷场，坦白地说太无聊。然而，我们需要看到衣服动起来，走起来的样子。这就是为什么几十年来，T台作为展示新风格的方式，已经巩固了它的吸引力。但是如何将其转化为动态的、叙事性的视频形式呢？
Études做的就很棒，它们与导演Gregoire Dyer合作完成了本季最佳视觉实验之一。这是一场时装秀，但又不是一场时装秀: 一场真实的电影风格，无缝的长镜头，跟随着一群角色漫步在巴黎二十区。每个角色都扮演了一段时间的主角，直到镜头流畅地转向另一个角色。这是一部原创电影。Juun J和Sulvam都选择了各自的城市——首尔和东京——作为视频的背景，但不知何故，其风格选择似乎有点可预测。而在Hermès，拍摄后台活动的想法更是令人振奋。它捕捉了现场的混乱，却将其转化为创意纯粹的燃料，突出了系列的全部亮点。
这一季的主要叙事方式绝对是围绕着制作过程展开的，不难理解其中的原因：展示制作过程满足了观众的好奇心，并与他们建立了亲密的联系。在Dior，Kim Jones在两个视频中展示了这种风格，第一部分,其关注的是旅居维也纳的加纳画家Amoako Boafo，第二部分则是受到Boafo影响的系列。然而，如果执行得很完美的话，这位艺术家绘画中丰富多彩的色彩和强烈的情感会让服装系列有些程式化。
在Loewe，Jonathan Anderson也把重点放在了这个过程上。他把这个过程放在一个档案盒里，直接送到每个“与会者”的门口。“盒子里的展示”——这一概念绝对是本季形式上的亮点: 尽可能的非数字化，但也尽可能的迷人。当然，它伴随着24小时的采访、谈话和网上音乐会，但事实是，时装完全是通过盒子展示出来的，这是一种乐趣。盒装廓形、色卡、纹理卡，甚至一个图形，再加上团队成员的剪影，所有渲染出色的元素融进一整个系列。这就像是置身于一场秀之中，肉身却仍然呆在家里，创造出一种我们都真正所缺失的联系。